A INTERVALOS

Cuando escribo

Visita el Museo con tu Móvil como Guía.

La nueva tecnología de los smartphones permite escanear con el teléfono móvil códigos QR para acceder directamente a información de internet.  Desde abril de 2011 la enciclopedia online Wikipedia se ha sumado a través de su servicio qrpedia.org

Al principio estaba disponible únicamente para el Museo y Galería de Arte Derby del Reino Unido, pero actualmente el uso se ha generalizado a otros museos. En España podemos encontrarlo en la Fundación Joan Miró de Barcelona. Los códgos QR se convierten en estos casos en auténticos guías de los espacios de arte, ya que proporcionan información pormenorizada de las obras al enlazarlas con la Wikipedia. Además, el código QR es multilingüe, es decir, que reconoce la lengua de nuestro teléfono móvil por lo que nos describirá la obra de arte que estemos observando en nuestro propio idioma.
Para leer códigos de barra y códigos QR desde tu Smartphone puedes utilizar, entre otras, las siguientes aplicaciones: Google para iPhone, Barcode para Blackberry y Barcode Scanner para Android.

La “Alicia” de John Tenniel.

Una historia que sobrevive a más de un siglo y medio de vida tiene su universo propio de imágenes que pululan por el imaginario colectivo de niños y adultos. “Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas” se publicó en 1865 y su segunda parte, “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí”, apareció en 1871. De la primera novela hoy en día no se conservan más que 23 ejemplares, uno de los cuales fue subastado por un millón y medio de dólares en 1998. La lógica de su autor, el matemático inglés Charles Lutwidge Dodgson (bajo el seudónimo de Lewis Carroll), se filtró en cada una de las páginas y tanto sus malabares surrealistas como sus constantes juegos de palabras, plagados de dobles sentidos, son la esencia de ambas obras. Pero también los dibujos originales con los que embelleció John Tenniel estas primeras ediciones se han convertido con el tiempo en elementos indisociables del mundo de Alicia. El dibujante, que sopesó durante varios meses su decisión de aceptar el encargo, tuvo que lidiar con la constante determinación de su autor que le hizo diversas peticiones con respecto a los dibujos, llegando incluso a sugerirle una modelo. 


1. El conejo blanco.

2. La oruga.

3. El gato de Cheshire.

4. ¡Que le corten la cabeza!

5. El ataque del mazo de cartas.

6. Bébeme.

7. ¡Más pimienta...!

8. Pintemos las rosas.

9. La partida de croquet.

"Desesperación" y Zapatos de Tacón Rojos.

Rojo en los labios en perfecta armonía con unos zapatos de tacón alto y una cabina de teléfono retro conforman los elementos clave de este corto cuidado al extremo en la imagen. Alex Prager nos presenta en esta desesperada ventana indiscreta al más puro estilo "Mad Men" una hermosa metáfora de las ansias de libertad. La fotógrafa norteamericana en su faceta como directora de cine nos introduce desde la primera toma de este cortometraje titulado “Despair” en Los Ángeles de los años 60. Con la modelo y actriz Bryce Dallas Howard perfectamente caracterizada en el papel protagonista de la femme fatale sobre altos tacones rojos, este idealizado film se inspira en “Night of the Hunter” (1955) de Charles Laughton, así como en el cuento de 1948 “Los zapatos rojos” de Hans Christian Andersen. Prager ha declarado respecto a este trabajo que “quería mostrar el antes, el ahora y el después de una de mis imágenes; ésa es realmente la idea de la película”.

Top 10 acuarelas por The Observer.

El crítico de arte del periódico británico The Observer selecciona sus 10 acuarelas preferidas de entre las apuntadas por la Tate Britain como paradigmáticas de la historia del arte.

1
David Hockney, “Autoretrato con tirantes rojos” (2003).


2
JMW Turner, “El incendio de las casas del Parlamento” (1834).


3
Arthur Melville, “La pequeña corrida de toros, ¡Bravo Toro!" (c1892).



4
William Blake, “El juicio de Paris” (1811).


5
Eric Ravilious, “El invernadero: ciclamen y tomates” (1935).


6
Alexander Cozens, “Un borrón: tigres” (c1770-80).



7
Samuel Palmer “Maizal en luz de luna” (c1830).




8
John Sell Cotman “Puente Greta” (c1807).




9
Gwen John “Chicas en la iglesia” (c1920).


10
Isaac Oliver, “Un hombre contra un fondo en llamas” (c1600).


El Sexo provoca Amnesia

 ¿Dónde he dejado mis Llaves? Será cierto que el sexo provoca amnesia... ¿Qué estaba diciendo?

La revista Live Science publica la historia de una mujer  de Washington D.C. que en septiembre del 2011 se presentó en urgencias del Hospital Georgetown University sin la menor idea de lo que había hecho con su vida en las últimas 24 horas. Tan sólo tenía una conciencia ligeramente confusa del presente y la absoluta certeza de que su estado amnésico había comenzado tras practicar sexo con su marido. A la señora de 54 años se le diagnosticó una amnesia global pasajera que desapareció transcurridas algunas horas sin dejar efectos secundarios negativos. 


Los neurólogos afirman que no es habitual, pero que perder la memoria durante el sexo es algo que le sucede de 3 a 5 personas al año de cada cien mil (también a los hombres). De hecho, en 1964 quedó documentado un caso en el que un joven de 28 años sufrió un repentino episodio de amnesia en el preciso momento del orgasmo, lo que le hizo preguntarle a su compañera: “¿Dónde estoy? ¿Qué ha pasado?”(singulares expresiones para un instante de éxtasis). Aunque los científicos parecen no ponerse de acuerdo acerca de las causas exactas de la pérdida de memoria, en mi opinión la solución es bastante clara. Es obvio que la amnesia obedece a situaciones memorables o a desastres para olvidar.

Midnight in Paris (2011)

Título original: "Midnight in Paris". 
Género: Comedia-Fantasía-Romance.
Duración: 94 minutos.
Estreno en España: 13 de mayo de 2011.
Director: Woody Allen.
Guión: Woody Allen.
Actores: Owen Wilson, Rachel McAdams y Kathy Bates
Puntuación: 7.9/10 en IMDB.

Fotografía
La nueva película de Woody Allen no es sólo una delirante oda a la nostalgia, sino también una exaltación idílica de la perpetua belleza de la ciudad de París y del arte que se respira en sus calles. Con el elegante sentido del humor al que Allen nos tiene acostumbrados, la trama queda genialmente hilada con unos personajes que se exhiben desde el abismo de sus subconscientes. Un toque surrealista otorga la chispa de magia perfecta para combinar con la historia del protagonista, un escritor atrapado por el hechizo de París y la añoranza de la Edad de Oro de las artes. Un relato para reencontrarse con viejos amigos de los años 20 con una sonrisa en los labios: desde Ernest Hemingway a Scott Fitzgerald, pasando por Picasso, Dalí o Buñuel. Sobre la película pende de un hilo la idea de que, como diría Jorge Manrrique, “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Y he aquí la clave del engaño y del desengaño porque París es eterna y el encanto de su infinita belleza atemporal.

Fotografía

Woody Allen nos conduce a través de su propio juego de referentes culturales para dejarnos un sabor agridulce, una especie de melancolía por todo lo que no hemos vivido más que a través de las páginas de un libro. Y lo cierto es que ahora ya no puedo dejar de pensar en mi primera vez en la ciudad eterna, porque entonces también la lluvia lamía mansamente las calles y de vez en cuando un rayo rompía el cielo para vestir de luz el cielo. Desde el primer instante, algo había en el ambiente que consiguió atraparme. Será que inconscientemente uno no puede resistirse a invocar la magia de París sea o no medianoche.


Diego Rivera a pantalla completa.



"El líder agrario Zapata" (1931) es un icono del MOMA

El Museo de Arte Moderno de Nueva York expone del 13 de noviembre de 2011 al 14 de mayo de 2012 un monográfico dedicado a la figura del muralista mejicano Diego Rivera bajo el título "Murals for the Museum of Modern Art".

Para salvar el inconveniente de exponer murales que estaban específicamente creados para ser fijos, entre diciembre de 1931 y enero de 1932 el MOMA invitó al artista a Nueva York y puso a su disposición un estudio en el que Rivera creó cinco murales “móviles” conmemorativos de sucesos históricos mejicanos a los que añadió otros tres ambientados en la Gran Depresión norteamericana. La exposición que se completará con esbozos de otros murales, bocetos, pinturas y fotografías de Diego Rivera, presentará al pintor como una figura cosmopolita y única. Una cita con el arte ineludible, ya que es la primera vez en casi 80 años que estas piezas clave del genial pintor mejicano se exhibirán en el MOMA.


Diego Rivera con Frida Kahlo, pintora mejicana que había sido su modelo, con la que tuvo un apasionado romance y que se convirtió en la tercera esposa del pintor.


Pedro Páramo (Juan Rulfo)


Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo. Mi madre me lo dijo. Y yo le prometí que vendría a verlo. (… ) Pero no pensé en cumplir mi promesa. Hasta que ahora pronto comencé a llenarme de sueños, a darle vuelo a las ilusiones”
(Así comienza Pedro Páramo, 1955. Juan Rulfo)

Pedro Páramo tiene el honor de ser considerada una de las obras cumbre de la literatura universal. Tras su publicación en 1955, su éxito fue tan fulminante que esta primera y única novela del escritor mejicano Juan Rulfo fue traducida casi de inmediato a 28 idiomas. Ya en 1942 su autor había comenzado a entrenar su pluma con la publicación de dos cuentos en la revista “Pan”, que más tarde incluiría en su libro de relatos El llano en llamas (1953). De la fuente de esta colección de cuentos bebe el cuidadosamente intrincado universo que en “Pedro Páramo”, que se extiende por las marchitas calles de Comala, una obra que exhibe un ambiente tan íntimo que perturba la conciencia del lector. Puede que esta ventana indiscreta abierta al interior de los personajes sea la clave del éxito de un escritor que sólo publicó estas dos obras y que obtuvo el Premio Nacional de Literatura en Méjico (1970) y el Premio Príncipe de Asturias en España (1983).
SINOPSIS: La novela cuenta la historia de Juan Preciado que cumpliendo la última voluntad de su madre en su
lecho de muerte viaja a Comala para conocer a su padre, Pedro Páramo. A partir de entonces, voces que vienen de lejos a inundar la mente de Juan Preciado junto al propio pueblo, cuya indiscutible presencia late en cada capítulo de la obra, dan forma a un mundo onírico donde el presente y el pasado se confunden en una historia rota de la que el lector debe unir las piezas.

ESTILO: Pedro Páramo, considerada claro exponente del “realismo mágico”, capta al más puro estilo de Faulkner la densidad del mundo subconsciente, aún a costa de la racionalidad del tiempo y el espacio. El acabado refinamiento de su estructura obedece al hecho de que Juan Rulfo se basó en un trabajo de documentación minucioso y revisó la novela varias veces hasta quedarse con la versión definitiva. Hay que tener en cuenta que de “Pedro Páramo” se habían publicado dos capítulos con anterioridad en una revista literaria, capítulos que fueron bocetos del prodigioso resultado final.
LO MEJOR: Lo mejor de la novela son las voces de Juan Preciado y Pedro Páramo entremezclándose en un juego de luces y sombras, de presente y pasado, de vida y muerte. La áspera personalidad del padre se derrama en una suerte de enérgico narrador inconsciente, mientras que la del hijo, más coherente y lineal, se deja mecer agónica por la atmósfera espectral del desierto pueblo de Comala. El propio Juan Rulfo declaró que su intención había sido la de “impregnar al lector de la historia de un vivir colectivo, de la relatividad del tiempo humano y de la vecindad entre la vida y la muerte”.

CINE: Existe una versión cinematográfica de 1967 dirigida por Carlos Velo y protagonizada por John Gavin y en el año 2011 se estrena una nueva versión dirigida por Mateo Gil y protagonizada por Gabriel García Bernal.
__________________________________________________________
Este blog no contiene enlaces de descarga (download) de mediafire, rapidshare, fileserve, 4shared, megashare, freakshare, torrent ni de ninguna otra compañía de descargas gratuitas que vulnere derechos de autor. Tampoco se aceptan peticiones de envío de libros ebook en ningún formato ePub, mobi, PDF, fb2, doc o Kindle.

El Reino de este Mundo (Alejo Carpentier)

(cita de“El Reino de este mundo”. 1949, Alejo Carpentier)
Inspirado por su viaje a Haití de 1943 en el que visita la fortaleza de La Ferrière y el Palacio de Sans-Souci, ambos construidos por el emperador negro Henri Christophe, el escritor cubano Alejo Carpentier se adentra en el ambiente de la revolución haitiana con la pátina de “lo real maravilloso”. Este concepto, que el propio autor define en el prólogo de la obra, se presenta como intrínseco a la realidad latinoamericana y halla su expresión última en los personajes reales de la novela. Así, por ejemplo, nada más real ni más maravilloso que presentarnos al personaje histórico François Mackandal, líder de la revolución haitiana, tomando la forma de una mariposa para escapar de las llamas de la hoguera en la que iba a ser ejecutado.

SINOPSIS: A través del protagonista del relato, el esclavo negro Ti Noel, se desenvuelven los acontecimientos históricos que marcaron la liberación de Haití, siempre transidos de la magia, el dominio de la naturaleza, el vudú y la metamorfosis de personas en los más diversos animales. En medio de las circunstancias cambiantes que tienen lugar a lo largo de su vida, Ti Noel mantiene un sempiterno instinto de lucha callada, una simbiosis perfecta con el medio ambiente y un ansia de libertad insaciable.
La idiosincrasia mística de las religiones animistas gravita sobre el relato del protagonista, así como la quimérica nostalgia por la vieja patria africana y el mundo mágico de los reinos míticos de Dahomey, que se pone de manifiesto en la intensa fascinación que siente por las historias que le cuenta el líder revolucionario Mackandal.

LO MEJOR: Uno de los más hermosos, evocadores y surrealistas pasajes de la novela es el del reinado tiránico de Henri Christophe, antiguo cocinero de una posada de Ciudad del Cabo. La descripción de su espléndida Corte en la que el negro esclaviza al negro, grotesco esperpento de la europea, tiene cierto halo de Borges y el palpitante dramatismo de su final acompaña el tañido de los tambores al son del manducumán de la libertad.
__________________________________________________________
Este blog no contiene enlaces de descarga (download) de mediafire, rapidshare, fileserve, 4shared, megashare, freakshare, torrent ni de ninguna otra compañía de descargas gratuitas que vulnere derechos de autor. Tampoco se aceptan peticiones de envío de libros ebook en ningún formato ePub, mobi, PDF, fb2, doc o Kindle.

Retratos Obscenos (George Condo)


Fotografía
Clown
Fotografía
Pareja en silla azul a rayas.
Desde que irrumpiera en la escena artística con sus atrevidos retratos de payasos en los años 80, George Condo no ha dejado de escandalizar con sus motivos irreverentes, jocosos e intensamente imaginativos. Debutó en Nueva York hace casi veinte años y desde entonces, a pesar de no dejar de causar revuelo con su provocativa obra, ha exhibido sus trabajos en los mejores museos del mundo. Sus retratos han podido contemplarse en el  Museo Whitney de Nueva York; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Arte Contemporáneo de Houston; el Guggenheim de Nueva York; la Galería de Arte  Albright-Knox Art de Búfalo; los Fondos Nacionales de Arte Contemporáneo de Salzburgo; el Ministerio de la Cultura de Paris; el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona; el Museo de Finas Artes de Houston; el Kunsthalle Bielefeld en Alemania y en la “Wrong Gallery” de la Tate Modern de Londres.
En 2011 una retrospectiva de la obra del pintor norteamericano titulada “Mental States” está viajando por medio mundo, desde el Museo “Boijmans Van Beuningen” en Róterdam hasta la “Hayward Gallery” en Londres.
La profundidad y los matices de la obra de Condo provienen, según sus propias palabras, de que se inspira en el novelista que podría haber sido, así que desarrolla sus retratos como un escritor da vida a sus personajes. De hecho, en declaraciones al New Yorker y al Huffington Post, George Condo ha afirmado que las figuras de sus retratos llegan a él de la misma manera en que la mente de un escritor recibe la visita de los protagonistas de su novela.

Fotografía
El capitán de barco sonriente.
Fotografía
Figuras interactuando.
Fotografía
Sueños y pesadillas de la Reina.

Desnudos y Salvajes.


Estas atrevidas imágenes de la fotógrafa estadounidense Lennette Newell recrean a través del “body paint” el lado salvaje de los seres humanos. El trabajo, del que se hace eco el periódico Mail Online,  lleva por título “Anti-human”. Los modelos desnudos se exhiben junto a sus supuestos congéneres bajo la piel de una serpiente pitón, una cebra, un leopardo, un mono o un elefante.  La famosa fotógrafa de San Francisco ha declarado que esta serie de fotos obedece a su deseo infantil de convertirse en uno de los animales que su padre trataba como veterinario.


Lennette Newell ha sido galardonada con numerosos distinciones de prestigio, entre las que destacan el Premio Internacional de Fotografía (ganadora en la sección ‘pets’), el Premio Pollux (ganadora en ‘animales y vida salvaje’), los Premios anuales Black & White Spider (mérito a la excelencia), además de diversas menciones honoríficas.

Fotografía

Fotografía

Fotografía

El Tambor de Hojalata (Günter Grass)

“Ahora ya no me quedan palabras y, sin embargo, he de reflexionar todavía acerca de lo que Óscar piensa hacer una vez que le hayan dado de alta del sanatorio, lo que parece inevitable. ¿Casarse? ¿Seguir soltero? ¿Emigrar? ¿Comprar una cantera? ¿Buscar discípulos? ¿Fundar una secta?”
(pensamientos de Oscar Matzerath en “El tambor de hojalata” (1959), Günter Grass).
El tambor de hojalata no es sólo una de las incuestionables joyas de la literatura universal sino que además es tan extraordinariamente única que no puede compararse con ninguna otra novela, ni en el fondo ni en la forma. Con un elegante sentido del humor, Günter Grass consigue desde la primera frase aguijonear la curiosidad del lector. Sus palabras irradian magnetismo desde el campo de patatas de la abuela Ana Bronski y su fortuito encuentro sexual con el abuelo-incendiario José Koljaicek, pasando por la incertidumbre de cómo el protagonista deja de crecer, hasta la misteriosa identidad de su padre (el hitleriano Alfred o Jan, el cartero polaco primo de su madre) o la suya propia como progenitor.


EL PERSONAJE: Esta magistral novela nos relata a través de su personalísima voz interior la vida de Óscar Matzerath, un personaje al que Grass, ganador del Premio Nobel de Literatura y Premio Príncipe de Asturias (ambos en 1999), insufla un soplo de vida tan intenso que es difícil pensar en él como un “ser de ficción”. A uno le parece que en algún tiempo y lugar debe existir ese niño eterno, arrancando interminables notas de su tambor de hojalata y lanzando desgarradores gritos al aire que reducen a añicos las ventanas. Su visión irónica y rotunda posee por entero la narración, ya sea en primera o en tercera persona (o incluso en ambas a la vez en la misma frase). Y es que Óscar tiene una vívida conciencia de sí mismo y del mundo que le rodea desde el mismo momento de su nacimiento, son los adultos los que viven en la inopia.  En realidad, todos los personajes de Günter Grass están transidos de enrevesados matices y esta cualidad caleidoscópica es otro de los mayores aciertos de su obra.
Portada del libro ilustrada por Günter Grass

SINOPSIS: La trama comprende de los años 20 a los 50 del pasado siglo, ilustrando especialmente la Segunda Guerra Mundial, que se presenta ante los ojos del espectador como nunca antes la había imaginado a través de la fina ironía de su personaje principal. La novela comienza con la decisión de Óscar, recluido por aún ignotas razones para el lector en un sanatorio psiquiátrico, de escribir su autobiografía con la ayuda del enfermero Bruno. Uno de los pasajes clave de su relato es un hecho transcendental en su vida que le sucede al cumplir los tres años, cuando adopta la férrea determinación de no continuar creciendo. Ese mismo día recibe un regalo que su madre le había prometido desde su nacimiento: un tambor de hojalata. Virtuoso del instrumento, Óscar no se separa de él salvo para sustituirlo por otro nuevo. Esta habilidad se suma a su defensivo talento de romper con su voz los cristales, incluso a distancia (véase la relación con “la noche de los cristales rotos”).
La ciudad natal del autor, Danzig, es otro de los personajes de la obra y el lector puede palpar en cada palabra tramos de sus calles como si los hubiese conocido en el tiempo de la narración. De hecho, esta antigua ciudad libre da nombre a la famosa “Trilogía de Danzig” de Günter Grass, que inicia “El tambor de hojalata” y se completa con “El gato y el ratón” (1961) y “Años de perro” (1963) en las que también aparece fugazmente Óscar Matzerath.

ESTILO: "El tambor de hojalata" en realidad es una extensa metáfora política estructurada en tres libros o secciones en los que proliferan los saltos en el tiempo y los cambios de registro. El estilo de Günter Grass es tan diestro y ágil que dentro de la obra se suceden las variaciones pasando de la narración al teatro, del verso a la conciencia de Óscar. Es como si el autor enhebrara los fragmentos de su fértil imaginación que dan forma a este libro de una forma tan sutil sobre el lienzo final de la oba que el lector apenas puede adivinar las puntadas.


CINE: Basada en la novela, la película alemana de 1978 del mismo título (“Die Blechtrommel”), escrita y dirigida por Volker Schlöndorff, adapta sólo los dos primeros libros. A pesar de que el film resultó ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes y del Óscar a la mejor película de habla no inglesa en el año 1979, posteriormente fue censurado en varios países, como Canadá y EE.UU., alegando que reproducía escenas de sexo explícito con un menor. Es cierto que el protagonista era menor en ese punto de la historia, aunque lo era de estatura y no de edad. Y es que parece que la censura obvió el hecho fundamental de que Óscar era un enano.

Cartel de la película.
___________________________________________________
Este blog no contiene enlaces de descarga (download) de mediafire, rapidshare, fileserve, 4shared, megashare, freakshare, torrent ni de ninguna otra compañía de descargas gratuitas que vulnere derechos de autor. Tampoco se aceptan peticiones de envío de libros ebook en ningún formato ePub, mobi, PDF, fb2, doc o Kindle.